Yoskay Yamamoto

http://www.yoskay.blogspot.com/
http://yoskay.com/home.html
еще...

Игорь Олейников

Олейников Игорь Юльевич родился 4 января 1953 года в городе Люберцы Московской области.
По окончании в 1976 году Московского института химического машиностроения работал в проектном институте «Гипрокаучук».
В 1979-м в качестве ассистента художника-постановщика пришёл на киностудию «Союзмультфильм»;
спустя некоторое время сам стал художником-постановщиком.
Специального художественного образования Олейников не имеет, хотя поверить в это совершенно невозможно
В анимации Игорь Олейников известен по фильмам «Тайна третьей планеты» (1981), «Последняя охота» (1982),
«Сказка о царе Салтане» (1984), принимал участие в работе над лентой «Халиф-аист» (1981).
Как художник-постановщик создал фильмы «Мы с Шерлоком Холмсом» (1987), «Сказка о глупом муже» (1986),
«Поползновение» (1987), «Сапожник и русалка» (1989), «В поисках Олуэн» (1990) и др.

В 1991-2000 гг. работал в российском филиале студии ВВС «Кристмас Филмз», где был поставлен рисованный мультфильм-фантазия
по мотивам оперы В.А.Моцарта «Волшебная флейта» (режиссёр Валерий Угаров), который в 1996 году высоко оценили на Тарусском анимационном фестивале. В следующем году Таруса снова наградила художника — приз за лучший персонаж получил фильм «Иона».
В 2000 году на анимационном фестивале «Золотая рыбка» мультфильм «Подна и Подни» (из цикла «Сказки народов мира»,
режиссёр Юрий Кулаков), снятый по мотивам суфийской притчи про двух маленьких птичек, завоевал Гран-при. В 2000-04 гг. —
художник работал над полнометражным фильмом «Щелкунчик» (к/с «Аргус», совместно с немецкой продюсерской компанией, режиссёр Т.Ильина).
С 2004 года рисует на студии «Солнечный дом», участвовал в создании фильма «Князь Владимир».
С 1986 года параллельно с работой в анимации сотрудничает с детскими периодическими изданиями (журналы «Миша», «Трамвай», «Куча-мала», «Улица Сезам», «Шаровая молния», «Спокойной ночи, малыши!», альманах «Колобок и Два жирафа»),
а также с книжными издательствами.
Среди его работ, выпущенных российскими издательствами: «Алиса в Стране чудес» Л.Кэрролла, «Хоббит, или Туда и Обратно»
Дж.Р.Р.Толкина, «Приключения барона Мюнхгаузена» Э.Распе, «Разные рыбки» и «Разные кошечки» Б.Заходера,
«Оранжевый верблюд», «Сказочная история мореплавания» и «Сказочная история воздухоплавания» А.Усачёва,
«Приключения мышонка Десперо» К.ДиКамилло.
С 2001 года начинается сотрудничество художника с издательствами Канады, США, Бельгии, Швейцарии, Италии, Кореи, Тайваня
и Японии. Он участвовал в книжных выставках в России, Литве, Эстонии, Германии, Тайване, а также в Братиславской бьеннале
«BIB» в 2003-м, 2004-м и 2005-м годах, был финалистом выставки «Болонья-2004». В 2006 году Игорь Олейников получил диплом
на Таллиннском триеннале иллюстрации стран Балтии.
В последнее время Игорь Олейников работал над такими книгами, как «Питер Пэн» Дж.Барри (частный заказ, Россия),
«Странная история доктора Джекила и мистера Хайда» Р.Л.Стивенсона (для итальянского «Fabri editori»), над книгой об Артуре
и Гвен (США, «Dutton children’s books», 2008) и над несколькими книгами для тайваньского издательства «Gremm press».
В планах художника — книги для Японии и США.
Впрочем, есть чего ждать и российским поклонникам его творчества. Недавно Игорь Олейников закончил оформление книги стихов К.И.Чуковского для издательства «Махаон». А в «Азбуке» (серия «Книга в подарок») уже вышли «Иван-дурак» и «Жар-птица».

дальше http://jolita.livejournal.com/2093082.html
еще...

Ежи Дуда-Грач

официальный сайт http://www.dudagracz.com/

Ежи Дуда-Грач (польск. Jerzy Duda-Gracz; 20 марта 1941, Ченстохова — 5 ноября 2004, Лагов, Свебодзинский повят) —
польский живописец, график, театральный художник.


Учился на графическом факультете катовицкого филиала Краковской академии изобразительных искусств.
Получил диплом в 1968 году и остался в Академии в качестве преподавателя.
Позднее преподавал в Европейской академии искусств в Варшаве (1992—2001), а затем в Силезском университете в Катовице.
Всю жизнь был связан с Верхней Силезией. В его картинах отражается серый пейзаж индустриальной земли.



Творчество Дуды-Грача тяготеет к карикатуре и сентиментализму. Он изображал своих моделей без прикрас:
сварливыми, неряшливыми, иногда пьяными, но также и смелыми, мужественными, даже героическими.
Критик Кшиштоф Теодор Теплиц увидел в творчестве Дуды-Грача влияние Питера Брейгеля Старшего.


отсканировала вчера вечером те, которые мне тогда так нравились, но сегодня нашла в жж у koodlatyi те же сканы))

Типичной для его творчества является картина «Всадники Апокалипсиса, или Халтура» (1977).
Три бетонщика, небритые, в запачканных резиновых сапогах и порванных ватниках, тянут куда-то бетономешалку.
Изображённая на переднем плане сцена напоминает «тройки» из российских картин XІX века или берлинскую квадригу.
Столкновение банальности темы с шуточным пафосом изображения является типичным для картин Дуды-Грача.

 

Критики полагают, что его творчество явилось протестом против глупости, жадности, бытовой бессмыслицы.
 


Особняком в творчестве Дуды-Грача стоит масштабный (около 300 работ) цикл произведений, посвящённых Фридерику Шопену
и созданных в 1999—2003 гг. Цикл был впервые представлен на Всемирной выставке 2005 г. в Нагое (Япония).

Художник обозначал свои произведения порядковыми номерами, что помогает идентифицировать подделки.

 

   

 









 

 




еще...

Заборов Борис Абрамович

Родился в Минске 16 октября 1935(19351016) года
1949-1954 Художественное училище в Минске (Диплом)
1955-1958 Академия художеств. Институт им. Репина, Ленинград
1958-1961 Академия художеств.
Институт им. Сурикова, Москва (Диплом)
1962-1980 Член Союза художников СССР Живопись, графика, гравюра;
театральные декорации и костюмы; книжная иллюстрация
С 1980 года живет и работает в Париже

информация из интернета: http://charter97.org/ru/news/2009/2/16/15146/
http://kp.by/daily/24251.4/448698/









еще...

Эльза Мора

здесь: http://www.trozo.ru/archives/19425

Очаровательные и удивительно женственные образы кубинской художницы
Эльзы Мора влюбляют в себя с первого взгляда!
Немного наивные, сказочные и душевные,
они словно приглашают нас прогуляться по сказочным улицам вымышленного мира.

Простые и, казалось бы всем известные техники превращаются в руках художницы
в волшебную палочку, чудесно преображающей простой лист бумаги в увлекательную историю,
никому не нужные остатки ткани - в невероятно женственные и красочные броши.

Несмотря на свои 36, Эльза продолжает быть задорной и одновременно романтичной девчонкой,
способной увидеть сказку в самых привычных вещах.




"Я понимаю, что мое творчество не сможет оказать глобального влияния на события, происходящие в нашем мире. Для меня достаточно осознавать, что дети запомнят меня человеком, радующимся каждому дню, проведенному на планете Земля", - говорит Эльза.

Эльза родилась в Ольгине, небольшой кубинской провинции, в 1971 году. После окончания средней школы, она решила продолжить свое обучение и поступила в Художественный колледж, который с успехом окончила в 1990 году.

"Кроме диплома нам вручили полную уверенность в нашей гениальности и профессионализме", - с улыбкой говорит Эльза. Впоследствии ей пришлось пройти довольно трудный творческий путь, на котором она прекрасно поняла те высоты, к которым стоит стремиться.

Кстати, традиционная для Беларуси техника "выцiнанкi" занимает в ее творчестве довольно значимое место. В отличие от большинства наших образцов, бумажные кружева Эльзы несимметричны, что придает им особое очарование!

Свою серьезную "рабочую" деятельность Эльза начала в 19 лет, когда поступила преподавателем изобразительного искусства в одну из небольших кубинских школ.

"Мне было 19, а моим ученикам - 11-12! Это было не только невероятным опытом, но и большим испытанием для меня, как личности. Я старалась искренне отдавать ребятам свое время, навывки и умения. Но пришел момент, когда я поняла, что мое назначение - самостоятельное творчество. Тогда мне пришлось покинуть школу, и приступить к "сольной карьере".

После этого был еще период работы в Художественной галерее, который лишь подтвердил внутренние намерения художницы заниматься авторскими работами.

С этого момента Эльза стала вести двойную жизнь: ночами она создавала свои творческие работы, а днем занималась их продвижением и реализацией в различных галереях и лавках. "Я ни на миг не забывала о мамином кредите, который исчислялся ежемесячно 10 песо. Этот факт дополнительно подстегивал меня к активному движению вперед".

Благодаря помощи своей подруги Дебры, в 1995 году Эльза переехала в кубинскую столицу - Гавану. Здесь она впервые и не совсем удачно попробовала создать семью. "Мой муж сыграл большую роль в моем профессиональном развитии, за что я до сих пор ему бесконечно благодарна. Им было сделано много важного для моей карьеры, но ничего - для моей души", - говорит Эльза.

В 2001 году, как раз в после развода со своим первым мужем, Эльза встречает Билла. "Надеюсь, этот брак - навсегда. Я приближаюсь к своему сорокалетию и мне известно, что именно в этот период жены начинают тихо ненавидеть своих мужей. Обещаю: я сделаю все, чтобы с нами этого не случилось. Думаю, я переключу свое внимание на экологические проблемы, но кризис не коснется моего мужа", - шутит Эльза.

Сегодня Эльза работает в своей студии в Лос-Анджелесе. По ее словам, бизнес "набирает обороты" и приносит ей уже не только душевное удовлетворение но и серьезный материальный доход.

Она постоянно участвует со своими работами в различных выставках и художественных мероприятиях по всему миру.

Сегодня в творчестве художницы наметилось новое направление - сотрудничество с различными средствами массовой информации в качестве художника-иллюстратора, фотографа и арт-директора.

Кроме того, конец прошлого года ознаменовался для Эльзы открытием своего интернет-магазина, в котором широко представлены все стороны творчества художницы.

"Это мой собственный сказочно-виртуальный бизнес, мини-планета под названием Эльза!".

Мы уверены, что творчество Эльзы Мора удивительным образом вдохновляет и дарит позитивный настрой! Желаем нашим читательницам своих собственных успехов и надеемся, что знакомство с Эльзой поможет им в этом!

еще...

Александр Кошкин

Александр Арнольдович Кошкин родился в 1952 году в Москве.
Учился в Московской художественной средней школе при МГХИ имени В.И.Сурикова (1963-1970),
затем — в самом МГХИ (1970-1976). Окончил факультет графики (мастерская плаката).
В качестве диплома представил плакат к балету И.Стравинского «Петрушка» и серию иллюстраций
к философской сказке Антуана де Сент-Экзюпери «Маленький принц».
Иллюстрировать книги начал ещё в первой половине 1970-х годов. Как вспоминает художник:
«Остался в памяти первый заработок — 7 рублей 30 копеек — за пару картинок.
По тем временам совсем не плохие деньги».
Ещё учась на третьем курсе института, Кошкин сделал иллюстрации к «Золотому ключику» А.Н.Толстого
и «Трём сёстрам» А.П.Чехова, за что получил «удовлетворительно» (как студент вуза) и снискал благосклонность
искусствоведов (как художник).
С 1979 года — член Московского отделения Союза художников России.
В 1992-1993 гг. — в жюри Конкурса на лучшую книгу года при Комитете по печати России.
В 1992-1995 гг. — в Координационном Совете авторов (Всероссийское агентство авторских прав).
Член Совета по детской книге России — Национальной секции России (RBBY)
в Международном совете по детской книге (IBBY). Состоит в Правлении, а также в Художественном совете
Секции художников книги Московского Союза художников.
В 2001 году Александру Арнольдовичу Кошкину было присвоено звание заслуженного
художника Российской Федерации
В 2004-м художник номинировался от России на Международную Золотую Медаль имени Ханса Кристиана Андерсена;
в том же году получил Почётный Диплом IBBY.
С 2005 года — доцент кафедры графических искусств МГХПУ им. С.Г.Строганова.

перебирала старые журналы (в "огоньках" много интересного нашлось)
отсканировала несколько иллюстраций и выкладываю здесь





еще работы: http://dreamworlds.ru/kartinki/36474-xudozhnik-illyustrator-aleksandr-koshkin.html

еще...

.
еще...

Louisiana, Museum of Modern Art. Copenhagen

Музей современного искусства Луизиана расположен в 35 километрах на север от Копенгагена в местечке Humlebжk
до которого можно добраться по шоссе E47 / E55, или по дороге на Strandvejen вдоль залива Зунд (Sound).
Если вы едете на машине, то вам придется ее оставить на стоянке в Humlebжk Centre, и пройти минут десять пешком до музея.





В Луизиану можно добраться на поезде, тогда на вокзале в Копенгагене имеет смысл брать специальный билет Humlebжk/Louisiana, в который входит дорога туда-обратно и входной билет в музей.

Музей Луизиана открыт ежедневно, без выходных дней, круглый год (кроме Рождества 24, 25 декабря и Нового Года - 31 декабря) с 10.00 до 17.00, в среду - с 10.00 до 22.00.



Стоимость взрослого билета - 60 крон (примерно $ 7,5), для пенсионеров и студентов 52 кроны, для детей (от 4 до 16 лет) 20 крон. На некоторые выставки входной билет стоит дороже.

Во многих музеях Дании можно увидеть образцы датского и европейского классического и современного искусства. Тем не менее, музей Луизиана занимает особое место.

Изначально этот уникальный музейный комплекс был задуман для того, чтобы разместить коллекцию современного искусства, собранного коллекционером и меценатом Кнудом Йенсеном (Knud W. Jensen). Строительство началось в 1956 году.
Исходной точкой была вилла, построенная в традиционном стиле за сто лет до этого - в 1856 году - в поместье под названием Луизана.

Решающую роль в формировании образа музея сыграл окружающий ландшафт - идиллические лужайки, старый парк,
маленькое озеро и вид на залив Зунд. Архитекторы Йорген Бо и Вильгельм Волерт (Jшrgen Bo и Vilhelm Wohlert)
хотели максимально сохранить природную среду, так что прежде чем начать делать эскизы они в течение нескольких месяцев
"наблюдали" местность. Они изучили буквально каждую пядь земли, решая какое именно дерево следует сберечь,
и как в течение светового дня лучи солнца постепенно движутся по участку.

В результате первыми были построены три небольших павильона, соединенные с уже имевшимся зданием стеклянными коридорами.

Одновременно росла и расширялась коллекция музея. Поэтому, когда первый этап был закончен, выяснилось, что павильоны, которые вполне подходили для размещения собственно коллекции, явно не годятся для проведения крупных выставок, (а Луизиана многие годы с успехом принимает у себя выставки крупнейших художников мира). Поэтому в 1966 и 1971 гг. были добавлены специальные выставочные залы.

Позже - в 1982 году - было пристроено южное крыло, где, наконец, обосновалась постоянная коллекция музея, которую раньше, зачастую, из за недостатка места периодически приходилось прятать. Кроме того, в 1991 году было добавлено крыло для разделов рисунка и графики , которое замкнуло "венок" музейных зданий.

Надо отдать должное, этот постепенный рост происходил всегда сравнительно незаметно, на периферии парка, не создавая неудобства для посетителей, кроме того, у архитекторов было значительное преимущество: они использовали опыт, накопленный на ранних этапах.

За тридцать с лишним лет строительства музея изобразительное искусство очень изменилось. Небольшие холсты и скульптуры сменили огромные полотна и объекты. Если здания, построенные к 1958 году, имели невысокие потолки, что вполне годилось для своего времени, то архитектура, дизайн, а также материалы и технологии более поздних построек отражали процесс развития, изменяясь в соответствии с новыми направлениями в изобразительном искусстве.



Вокруг южного крыла рельеф местности резко меняется, и снаружи кажется, что постройки поднимаются по склону , однако внутри уровень пола остается неизменным, поэтому высота потолка резко увеличивается. Встроив здание внутрь холма, архитекторы, во-первых, зрительно его уменьшили, а во-вторых, создали ощущение простора, и безмятежного покоя, предоставив произведениям максимальное количество льющегося сверху дневного света .

Снова и снова архитекторы решали задачу - создать внутри помещения гармоничное взаимодействие между архитектурой и произведениями искусства, тогда как снаружи поверхности и объемы зданий находятся в постоянном "диалоге" с блестящим природным окружением.

Сейчас у музея прекрасная коллекция искусства 1960-х, 1970-х и 1980-х годов, где представители Nouveau rйalisme такие как Арман, Жан Тенгли и Сезар соседствуют с художниками поп-арта - Роем Лихтенштейном, Робертом Раушенбергом, Энди Уорхолом, Клаесом Ольденбургом:



Кроме того, в коллекции есть произведения художников, создавших себе имя в 1960-е, но работавших в последующие десятилетия, в т.ч. Иозефа Бойса, Марио Мерца, Герхарда Рихтера, Сола Левитта. Хронологически за ними следуют датчане Киркеби и Норгард, австрийский художник Райнер и американцы - Хант, Бартон, Фишль, Серра. К ним добавились работы немецких художников А.Р. Пенка, Йорга Иммендорфа, Георга Базелица и Ансельма Кифера, а также итальянцев, в том числе Мимо Паладино. Также представлены инсталляции известных художников 1990-х Пипилотты Рист, Майка Келли и других.

Кроме того, в Луизиане выставлена внушительная коллекция скульптуры. Ее центром являются 13 работ Альберто Джакометти .



Часть из скульптур расположена в парке таким образом, чтобы она соотносилась с определенным разделом и была видна из музея, тогда как остальные особенно крупные экземпляры, которым необходимо большое пространство вокруг располагаются в парке, относясь скорее к деревьям, траве и воде - это произведения Жана Арпа, Александра Кальдера, Макса Эрнста, Хуана Миро и Генри Мура.



Хотя у каждого музея своя история, но, как и многие другие музеи современного искусства, Луизиана была задумана как противоположность классическому художественному музею, такому каким он был в XIX веке. Это удавшаяся попытка создать новый тип музея, где равное значение имеет собственная коллекция, выставки и активная работа с публикой. Под одной крышей с традиционными формами изобразительного искусства (графикой, живописью и скульптурой, а также инсталляцией, объектом, видеоартом и т.д.) здесь соседствуют кино, архитектура, прикладное искусство, музыка и литература, максимально расширяя, таким образом, зрительскую аудиторию. Конечно, для Луизианы изобразительное искусство всегда будет основным направлением, однако в музее считают, что дополнительные формы активности помогают, обогащают и расширяют горизонты работы музея. Многие годы в Луизиане проходят концерты, показывают фильмы, ставят спектакли, проводятся дискуссии, встречи и семинары:

Отдельное крыло музея (построено в 1994 году) целиком предоставлено детям. По пятницам и выходным там проходят занятия, кроме того, два раза в год проводятся классы (4 класса по 10 уроков для детей от 4 до 15 лет, стоимость класса около $ 85), а также специальные курсы для воспитателей и учителей (стоимость около $ 25).



Музей Луизиана устроен так, что можно обойти его весь по кругу, спускаясь и поднимаясь по ступенькам, минуя наполненные светом коридоры. Однако из каждого здания есть несколько выходов, расположенных в разных уровнях. Так что если вы устали, если с вами случился приступ "музейного переутомления", вы всегда можете выйти на лужайку, обращенную к морю, выпить кофе на террасе музейного кафе, пообедать в ресторане или углубиться в парк .



Энни Лейбовиц - одна из самых известных современных фотографов. Ее портреты культовых фигур - от художника Энди Уорхола, обнаженного Джона Леннона, обнимающего полностью одетую Иоко Оно (сделанного буквально за несколько часов до его смерти, до парного портрета актрисы Изабеллы Росселини и режиссера Дэвида Линча (Isabella Rosselini and David Lynch) - сформировали образ американской поп-культуры последней четверти XX века.

Энн Лейбовиц работала для журналов Life, Vogue, Esquire, Time Magazine и Newsweek.

Сейчас она главный фотограф журнала Vanity Fair, где создала собственный стиль фотопортрета - в том числе ей принадлежит скандально известный портрет беременной актрисы Деми Мур (Demi Moore), которая снялась обнаженной.
еще...